arte contemporanea

Orario: tutti i giorni, 10-12 / 16-19

Ingresso libero

L'esposizione dal titolo Etimologie, opere di Bonizza Modolo, a cura di Francesca Brandes, consta di 25/30 opere, acrilici su tela e tavola di dimensioni variabili (da 190 x 150 a 90 x 90).
Si tratta di quadri realizzati negli ultimi anni e dedicati dall'artista ad una ricerca astratta sul rapporto tra segno e colore. Una pittura informale, in cui prevalgono poche, accese tinte (l'azzurro, il rosso, il giallo) e la forza del tratto nero. Bonizza Modolo, con Etimologie, indaga in modo particolare il concetto del confine (ideale e formale allo stesso tempo, oltre che etico): paradigma del nostro tempo, spesso inquietante, che l'artista rende attraversabile con la propria arte. Quasi a dirci, nella comune etimologia dei sentimenti portati nel quadro, che ogni segno può essere condiviso.

Con questi presupposti, l'esposizione si pone come testimonianza di scambio reciproco tra culture ed esperienze diverse, in nome di un comune destino: atto più che mai necessario oggi, che quei confini è doveroso abbattere.
Per Modolo ciò che conta è l'orizzonte della composizione. Guardare al di là ed attraverso - sostiene l'artista - è un atto necessario. Qualche volta lo sguardo spaventa, in altri casi affascina. Tuttavia, solo così facendo, attraverso la pittura e la riflessione sul proprio agire, si possono incontrare il mondo, l'altro da sé, la vita stessa.

C'è un tempo per ciascuno, in cui l'urgenza del rispondere anticipa le parole, il senso di una chiamata. Si è, improvvisamente, pronti. Sono passi fatti d'impulso, ma pieni d'integrità, come il manifestarsi di una ragione sensibile e preveggente, come albero che regali prima il frutto e poi il fiore. Faremo e ascolteremo , promettono gli Ebrei nel deserto all'imperativo divino.

Prima l'empito del fare, il segno agito; poi, la magica misura dell'attesa, in silenzio: Bonizza Modolo è maestra di questa ragione radicata nel reale; turbine che, pur essendo prossimo alla vita quotidiana, è nondimeno pensiero che si muove impetuoso. Talora, in quest'artista solitaria e pura, dalle chiarezze adamantine, la pertinenza tra gli elementi della realtà fenomenica non è definita una volta per tutte. Lo evidenziano la luce, cangiante e mutevole; l'impercettibile variare dei pesi sulla tela; l'andamento strutturale, in queste ultime opere per lo più ascendente. La relazione non è mai di tipo sintagmantico, quanto sostitutivo, perché i vari segni non sono altro che manifestazioni diverse di uno stesso e fondamentale significato.

La parte, in Bonizza, non è frazione del tutto, ma suo simbolo. Di più: gli elementi ontologicamente primari ed ineliminabili di questa pittura - coerente nel suo sviluppo storico, ma sempre inerente al mutamento (o, meglio, alla sua analisi) - non consistono nei corpi materiali, negli spazi definiti a velature sovrapposte o a campiture più dense. Appartengono piuttosto alla qualità della materia, alla sostanza dell'agire. Così facendo, l'artista trascende ogni dualismo, in favore di una visione olistica del costruire: tra sfondo e segno, tra immanente e trascendente. Il suo rifiuto non concerne solo un'ipotetica divisione concettuale del mondo, ma riguarda anche ogni discriminazione percettiva.

Modolo fa, poi ascolta. La fame di vento che la agita si compone in ordinata attesa, come il celebrarsi di una libera obbedienza. Lo stile - quella cifra rigorosa ed impervia che la rende subito distinguibile - è in lei la capacità poetica di ridurre il mondo all'essenziale e di dominarlo in una laconica unità di significato. Senza indulgere in nostalgie, lo disciplina. Nondimeno, la carica emotiva della sua pittura non ne risulta affatto sminuita.

Bonizza ha il merito, conquistato sul campo, di sapersi dare all'alterità e sostenerla con lucido affetto. La visione si dinamizza, scaricando gli eccessi lungo percorsi elicoidali. Laddove, in precedenza, l'artista andava a far combaciare i confini - formali, filosofici - in possibili convivenze, ora s'intravvede una rinnovata propensione al rischio, allo sradicamento. E non sembra esistere ritorno.

In questo ciclo di opere polite e chiare, che usano con misura cromìe assolute, come cuori pulsanti, pare avvenuto un mutamento di paradigma: in intima coerenza con il pensiero, si evidenzia in Modolo il primato dell'azione, dell'impegno coinvolgente e ruvido all'interno di un mondo privo di certezze e di consolazioni. L'arte non può, non deve evitare la frammentazione del reale. La pittura vi abita, in orizzontale ed in verticale, ed il sentimento del tempo - perso, guadagnato, denso di memorie e di speranze - ordinandosi in misura, si fa in Bonizza sentimento dello spazio, senso di avventura, costituzione strutturale di un “verso dove” che non lascia spazio all'incertezza: …ma ho fiducia che l'azione / sia preghiera anch'essa pel futuro recitano i versi di Luzi, e non è un caso che Modolo ami la forma poetica nel suo cuore di fede e di prassi.

È l'istante della potenza e dello slancio che anima questi lavori. Attraverso un'instancabile ed ostinata perlustrazione, Bonizza penetra da sempre nelle crepe che percorrono la provvisoria unità dell'io individuale. Ora il suo titanico, pervicace tentativo di arrivare all'osso del nostro giorno, diviene ancora più intenso, si allarga ai moti delle storie, alle essenze generatrici dell'aria. L'artista ci restituisce l'esistente prima del pensiero, prima della riflessione, nel suo nucleo di carità e di condivisione. La trasformazione isomorfica delle tinte e delle griglie compositive mantiene l'informazione originaria: così la ragione con radici di Bonizza risale, inesorabilmente, al senso etimologico dell'agire poetico, alle costituenti fondamentali. Luce e forma. Segno su segno, e misura.

L'etimologia è la mappa, la causa vitale, il carisma dell'operare di Modolo. La coscienza delle origini e la responsabilità della via, ecco ciò che connota il lavoro di questa artista meticolosa ed appassionata ad un tempo. L'impulso di farsi vita trova senso nell'aspirazione della materia ad illuminarsi e nella regola che Bonizza impone allo slancio. In questo modo i suoi fuochi - orchestrati ritmicamente sulla superficie dell'opera, attraverso meditati interventi del colore, quasi agisse con paste vitree sulla trasparenza dell'acqua, o con sabbie marcate come profondi graffi - crescono dal profondo di una vicenda, familiare e culturale, importante. Sacra bottega, cristallini ricordi di vite dedicate al fare arte.

La necessità della figurazione si riassesta nell'urgenza di rivelare, di porre voce. C'è l'amore del verso - con un pudore scabro - nei suoi grigi, di volta in volta perla di cielo, opaca intensità di muro. Altrettanto, nei rossi di Bonizza, volutamente integrali o appena oscurati, ci sono tutti i rossi della sua storia. Non la percorre alcun intento razionalistico; piuttosto, il suo simbolo per il tutto appoggia - appunto etimologicamente - su un'antica scienza innata, il senso dello studio e della pratica quotidiana. È anche pazienza, questa pittura faticata come il pane che lievita, la goccia che scorre e lascia traccia. L'io e l'oggetto godono in essa di un rapporto di risonanza che trascende i fenomeni ottici. Un po' alla volta, esattamente, impariamo a vedere oltre la facciata, ad afferrare la radice. Con pazienza, appunto, ci rispecchiamo.
(Francesca Brandes)

Persianissimo: Una mostra di manifesti di tipografia contemporanea iraniana alla Facoltà di Design e Arti della Libera Università di Bolzano La Facoltà di Design e Arti porta a Bolzano la mostra "Persianissimo: poster iraniani contemporanei" per aprire una finestra ai propri studenti ed al pubblico interessato su una vasta e sconosciuta cultura del design. Questa mostra, a cura del grafico iraniano Majid Abbas, e voluta in Facoltà dal prof. Antonino Benincasa, presenta per la prima volta in Europa 50 manifesti di 28 grafici iraniani contemporanei. Il titolo “Persianissimo” è nato unendo l’antico nome dell’Iran “Persia” al suffisso musicale “issimo”. La mostra non ha una mera dimensione artistica, ma anche una politica. Attualmente l'Iran sta attraversando una difficile situazione politica e culturale. I ponti politici e culturali verso questo Paese vengono continuamente abbattuti. Questa mostra è un piccolo, ma non per questo meno importante, collegamento tra due diverse culture del "design" e si può notare come, malgrado tutte le differenze, le nostre diverse culture hanno molto in comune. Per conoscere in maniera più approfondita l’Iran verranno esposte in una mostra parallela a cura di Francesco Jodice una serie di fotografie scattate da Jan Kliewer, studente della Facoltà di Design e Arti, in un viaggio fatto nel 2009. Fotografie che rappresentano un Paese popolato da persone che cercano disperatamente di capire il loro stato di isolamento, persone pronte ad un grande cambiamento.
 

Una mostra fotografica concettualmente scandita dall’appartenenza dell’artista al bacino mediterraneo, iconologicamente contraddistinta dall’utilizzo di bandiere: motivo ricorrente della sua arte, simbolo assolutamente femmineo della grandezza della forza motrice innescata dalla potenza femminile.
Bandiere e colori simbolo di tre continenti su cui è stato tracciato il cammino dell’uomo contemporaneo attraverso lo sviluppo delle arti e delle contaminazioni culturali. Un escamotage visivo per cercare di comprendere e interrogarsi sul concetto ‘mediterraneità’, conoscerlo nel suo complesso sviluppo e significato. Una serie di indizi per comprendere l’essenza di una regione nella sua globalità che ci chiede di fermarci a riflettere sull’emergenza ambientale che caratterizza questa parte di mondo e sulle molteplici culture che lo abitano.
Ogni bandiera è iconograficamente contraddistinta da simboli che richiamano all’essenza femminile: elemento portante dell’arte della Lutski. Soggetto preferito dell’artista sono infatti le mani utilizzate come metafora della lotta portata avanti dal popolo femminile per l’affermazione dei propri diritti all’interno della società.
Un messaggio di speranza per un futuro che avrà come protagoniste donne ormai all’avanguardia rispetto alla società in cui si troveranno.

Verrà inaugurata sabato 6 marzo 2010, alle ore 18:30, nella nuova sede veronese della Galleria Perlini Arte (Stradone Porta Palio, 70/d), un’importante mostra dedicata alla Street Art. La rassegna, curata da Giovanni Faccenda, presenta un gruppo significativo di lavori inediti di alcuni fra i protagonisti internazionali della Street Art, quali KayOne (Marco Mantovani), Leo (Leonardo Montemanni), Francesco Pogliaghi nonché la coppia franco-tedesca Chèrif & Geza. Diretta discendenza del graffitismo metropolitano americano, che ha avuto stelle di prima grandezza come Keith Haring e Jean-Michel Basquiat, la Street Art è uno dei fenomeni oggi più seguiti dal collezionismo e dalla critica. Libri, mostre e rassegne collettive internazionali, in importanti musei pubblici o note gallerie private, ne hanno definitivamente decretato il cospicuo successo. Scrive Giovanni Faccenda nel catalogo della mostra: « I circa tre decenni che hanno contraddistinto la progressiva evoluzione del graffitismo metropolitano, di fatto, sono trascorsi appesantiti da quella omologazione, anche estetica, a suo tempo indicata con aperto timore da Pasolini, che, per certi versi, solo la Street Art ha saputo contrastare in modo efficace. Negli ultimi vent’anni, in Europa come in Italia, quanto dobbiamo porre in diretta discendenza rispetto al Writing e all’Hip Hop americano è entrato a far parte di una cultura visiva ricca di innumerevoli istanze, al punto che, dinanzi alla pregiata selezione dei lavori raccolti in questa mostra e riprodotti nelle pagine del corrente catalogo, l’opera di KayOne (Marco Mantovani), Leo (Leonardo Montemanni), Francesco Pogliaghi e Cherif & Geza appare definitivamente emblematica, nella naturale diversità delle singole espressioni, in un ambito intellettuale che gode, a ragione, di sempre maggiore interesse. Se, per certi aspetti, la «pittu-scrittura» di KayOne e Leo condivide più serrati legami, di ordine soprattutto concettuale, con il graffitismo internazionale, sempre in questo, in posizioni evidentemente fra loro lontane, si mostrano le ricerche condotte da Francesco Pogliaghi – autore caratterizzato da un suggestivo lirismo iconografico – e dal duo franco-tedesco Chèrif & Geza, artefici di una toccante riflessione sulla complessità dell’essere in rapporto alla tragedia umana. Ne consegue un’essenza narrativa, alle cui fondamenta non è difficile scorgere un senso di rabbia e ribellione partecipato con fascinose inflessioni mediterranee, nel caso di Francesco Pogliaghi, Leo e KayOne, in un tono più drammatico, al contrario, per quanto concerne Chèrif & Geza..»

Ingresso libero

Mostra organizzata in collaborazione della Galleria con l’Assessorato alle Pari Opportunità e l’Assessorato alle Politiche Giovanili della Provincia e del Comune di Monfalcone , e viene realizzata con la partecipazione dell’Associazione Le Arti Tessili di Maniago (PN) e l’associazione Lucide di Gorizia.

Un titolo, due mostre, due momenti distinti per focalizzare l’attenzione sull’arte dei nostri giorni, nelle sue sfumature più tenui e delicate.
La Galleria Comunale d’Arte Contemporanea di Monfalcone presenta, domenica 7 marzo 2010, il progetto Non totalmente immemori, Né completamente nudi, in occasione delle manifestazioni per la Festa della Donna.organizzate dall’Assessorato alle Pari Opportunità del Comune di Monfalcone.
Abbandonarsi al flusso del racconto secondo una sensibilità premoderna, da cui muove il riferimento del titolo tratto da un frammento del celebre poeta romantico William Wordsworth, è quello che la rassegna tenta di focalizzare: l’importanza del dato temporale nella formulazione dell’opera d’arte sia da un punto di vista processuale (con l’impiego di determinate prassi operative come il cucito, l’intreccio, il fare manuale) che mnemonico (con la pratica della catalogazione e dell’archiviazione dei documenti). In questa prospettiva vi è un recupero dell’elemento esperienziale dell’artista attraverso una operatività lenta e circostanziata, il tempo diventa la causa e l’effetto, diventa la materia stessa dell’opera d’arte.
Da un punto di vista espositivo l’appuntamento si connota in due fasi distinte, Né completamente nudi (a modersn romantic tale) inaugura domenica 7 marzo in occasione della festa della Donna, e rimarrà aperta al pubblico fino al 14 marzo.
Questa prima fase presenta opere che riscrivono attraverso l’arte le coordinate della manualità tessile, rubando le materie prime, ispirazioni, tecniche di filatura e intreccio. Nuovi usi per vecchie funzioni: le regole manuali diventano soluzioni visive sperimentali, che affondano le radici nella tradizione. E l'opera d'arte diventa effige del fare, ridiventa lavoro, pazienza e diligente applicazione.
La lista degli artisti include: Ludwik Gatti, Paolo Gonzato, Magdalena Grenda, Eva Holubikova, Dacia Manto, Deepa Panchamina, Anna Pieta, Agne Raceviciute, Anila Rubiku, Yeasun Shin, Ljudmilla Socci, Sabrina Torelli, Caterina Viganò, Laura Zicari

Sabato 27 marzo verrà inaugurata la seconda fase, Non totalmente immemori: 11 giovani artisti, esporranno le loro opere, nelle quali la memoria a volte viene espressa come studio del tempo perduto, in altri casi come perpetuazione di una parte della propria esistenza - l'infanzia, l'adolescenza – o manifestazione della memoria collettiva, fino a diventare recupero e archiviazione di oggetti e situazioni.
La lista degli artisti include: Riccardo Baruzzi, Chiara Camoni, Cristian Chironi, Andrea Dojmi, Tomaso De Luca, Petra Feriancova, Renato Leotta, Valerio Nicolai, Moira Ricci, Sara Saini, Giulio Squillacciotti.